Cineclube Aquiry

Prorrogação do prazo de isncrição para o Curso de Cinema e Vídeo

2010-04-26T13:05:00.000-07:00

Quer fazer um filme?

O Curso de Cinema e Vídeo da Usina de Arte prorrogou o prazo de incrição até o dia 29 de abril, próxima quinta-feira.
Inscrições na Secretaria da Usina de Arte.

Incrições abertas para o Curso de Cinema e Vídeo da Usina de Arte

2010-04-13T14:27:00.000-07:00

NÚCLEO DE PRODUÇÃO DIGITAL – USINA DE ARTE

INSCRIÇÃO PARA CURSO BÁSICO DE CINEMA E VÍDEO

Levando em consideração a necessidade de informação abrangente sobre temas ligados ao audiovisual e a inquietação cultural que se forma a partir das plateias ligadas aos cineclubes, o Núcleo de Produção Digital da Usina de Arte abre inscrição para um curso básico de formação livre, com o objetivo de enfocar os diversos aspectos da cultura cinematográfica. A intenção é formar, numa primeira etapa, agentes culturais capazes de desenvolver conhecimentos para atuar nas diversas áreas do audiovisual.

O Curso, com dois anos de duração, terá cinco trimestres práticos com direito a estágios nas áreas compreendidas pelas disciplinas ofertadas.

A grade curricular será constituída de disciplinas teóricas e práticas de forma a ampliar os conhecimentos gerais das linguagens artísticas, com enfoque especial na cultura cinematográfica.

A seleção para o Curso Básico de Cinema e Vídeo constará das seguintes etapas:
1. Inscrição gratuita através de formulário disponibilizado na secretaria da Usina de Arte e no endereço eletrônico www.agencia.ac.gov.br
Devidamente preenchido, deverá ser entregue somente na Secretaria da Usina de Arte, respeitando-se a data limite da inscrição.
2. Período de Inscrição de 14 a 23 de abril
3. Horário de 8 às 11h30 e de 14 às 17h30
4. Informação: (68) 3229-6892
5. Seleção constando de prova escrita/discursiva e entrevista

O Curso Básico de Cinema e Vídeo obedecerá às seguintes normas:

1. Formatação do Curso : 5 trimestres e estágio final
2. Duração do Curso: 2 anos
3. Carga Horária: 210 hora/aula por trimestre
4. Requisito básico: idade mínina de 16 anos e ensino fundamental completo
5. Número de vagas: 45
6. Local de realização: Usina de Arte
7. Horário de aula: 18h30 às 22h.
8. Funcionamento do Curso – de segunda a sexta-feira.
9. Atividades complementares podem acontecer em local e horário diversos dos indicados nos itens 6,7 e 8.
10. As aulas poderão ocorrer aos sábados, em virtude de feriados ou outras necessidades curriculares.

II MOSTRA USINA DE OLHARES

2009-12-07T06:00:00.001-08:00

O Núcleo de Produção Digital da Usina de Arte João Donato é uma realização do governo do estado do Acre em parceria com a Secretaria do Audiovisual do Ministério da Cultura. O projeto, integrado ao programa Rede Olhar Brasil, visa capacitar jovens realizadores polivalentes, capazes de criar bens culturais nas áreas do cinema, do vídeo e da televisão.A II Mostra Usina de Olhares representa o trabalho mais importante dos alunos do Curso de Cinema e Vídeo do NPD da Usina de Arte, realizado durante o tempo de sua formação. A Mostra pode ser encarada como uma experiência didática e ao mesmo tempo, a expressão de uma nova geração de realizadores capazes de manejar, com estilo próprio, as linguagens audiovisuais e suas técnicas, que são as ferramentas de expressão do nosso tempo.

Nos vemos lá!!!

COMUNICADO

2009-12-07T05:54:00.000-08:00

O cineclube Aquiry entra em recesso e retoma as atividades no dia 09/01/2010.
A equipe deseja à todos ótimo Natal e próspero Ano Novo...
Abraços, Wander.

Rumba (05/12)

2009-12-03T15:58:00.000-08:00

No próximo sábado(05/12) às 18horas o cineclube Aquiry exibirá:

Rumba, de Dominique Abel, Fiona Gordon e Bruno Romy (2008)

Sinopse: Interior da França. Dom (Dominique Abel) e Fiona (Fiona Gordon) são um casal de professores que tem uma paixão em comum: dança latina. Porém após uma noite de competição de dança, um acidente de carro muda por completo suas vidas.

Site Oficial: http://www.rumba-film.mk2.com/

Quando: Todo sábado, às 18 horas
Quanto: Entrada franca
Onde: Cineclube Aquiry na Usina de Arte João Donato (Av. das Acácias, nº 01 – Distrito Industrial - Rio Branco)

Informações pelo telefone: 3229 6892

Rumba...

2009-12-03T13:21:00.000-08:00

por Celso Sabadin

Após vencerem um concurso de dança, Fiona (Fiona Gordon) e seu marido Dom (Dominique Abel) sofrem um violento acidente de automóvel. Ela perde uma perna e ele a memória. A partir daí, ambos terão de passar por uma série de adaptações físicas e mentais para continuar tocando suas vidas em frente. O mais inusitado disso tudo é que, mesmo com esta trágica sinopse, Rumba é uma comédia. Acredite se quiser. O filme é escrito, produzido, dirigido e protagonizado por Fiona Gordon e Dominique Abel, atores de formação teatral que passaram a se aventurar no mundo dos longa metragens em 2005 com o premiado L´Iceberg . Rumba é o segundo longa do casal. Uma co-produção franco-belga que propõe um humor muito particular. Negro, muitas vezes cruel, quase mudo. Os enquadramentos geométricos aliados à ação praticamente sem palavras remetem imediatamente ao genial Jacques Tati. E as fisionomias impassíveis do casal, propositalmente inexpressivas, são uma clara referência ao não menos genial Buster Keaton. A mistura cai bem. Assumidamente fakes, cenários, figurinos e direção de arte denunciam as origens teatrais da dupla, ao mesmo tempo em que conferem ao filme um clima de irreverente fantasia, de faz de conta. Numa era de filmes agitados, muito barulho e excesso de câmera na mão, a calmaria gráfica de Rumba, além de bastante divertida, é muito bem-vinda.

Ata-me (Átame!)

2009-11-25T13:10:00.000-08:00

No próximo sábado(28/11) às 18horas o cineclube Aquiry exibirá:

Ata-me! , de Pedro Almodóvar (1989)

Sinopse
Ricky (Antonio Banderas) sai de um reformatório psiquiátrico e vai para um set de filmagens, onde Marina Osorio (Victoria Abril), uma ex-viciada em heroína e ex-atriz pornô que ele já conhecia de um bordel, está filmando um filme de terror "B" que está sendo dirigido por Maximo Espejo (Francisco Rabal), um diretor conhecido que está tentando se recuperar após ter tido um forte derrame, que o deixou preso a uma cadeira de rodas. Após o término das filmagens, Ricky invade o apartamento de Marina e lhe diz que quer ser seu marido e o pais dos seus filhos. Ele resolve deixá-la amarrada na cama até Marina aprender a amá-lo, mas diversas situações imprevistas dão um novo rumo aos acontecimentos.

Trailer

Quando: Todo sábado, às 18 horas
Quanto: Entrada franca
Onde: Cineclube Aquiry na Usina de Arte João Donato (Av. das Acácias, nº 01 – Distrito Industrial – Rio Branco)
Informações pelo telefone: 3229 6892

Parente... é Serpente (Parenti Serpenti)

2009-11-18T12:56:00.000-08:00

No próximo sábado(21/11) às 18horas o cineclube Aquiry exibirá:

Parete... é Serpente , de Mario Moncelli (1993)

Sinopse
Uma família tipicamente italiana se reúne na casa da nonna para a ceia de Natal. Separados pela distância e estilos de vida bem diferentes, tudo transcorre em clima de festa, até que as verdadeiras personalidades de cada um dos irmãos vão sendo expostas e minam aos poucos, o clima festivo. Há por exemplo, a irmã hipocondríaca e intrometida, a outra é frustrada por não ter filhos e um dos casais tem uma filha adolescente comilona que sonha em ser bailarina. O que resta da fraternidade familiar vai por água abaixo, quando os avós anunciam que decidiram morar com um dos filhos... A partir daí, começa um autêntico jogo de empurra-empurra, pois ninguém quer arcar com a responsabilidade. O que se segue, é uma comédia hilariante e muito divertida!

Quando: Todo sábado, às 18 horas
Quanto: Entrada franca
Onde: Cineclube Aquiry na Usina de Arte João Donato (Av. das Acácias, nº 01 – Distrito Industrial – Rio Branco)
Informações pelo telefone: 3229 6892

After Hours (Depois de Horas), de Martin Scorsese (1985)

2009-11-09T12:06:00.000-08:00

No próximo sábado(14/11) às 18horas o cineclube Aquiry exibirá:

After Hours (Depois de Horas), de Martin Scorsese (1985)

Sinopse: Logo após ao expediente, programador de computadores conhece e se interessa por uma garota em um café. Marca um encontro com ela, que mora no bairro Nova-yorkino do Soho, mas, no entanto, quando vai buscá-la, uma sucessão de acontecimentos inesperados acaba tornando sua noite a pior de sua vida. Uma inteligente, inusitada e bem humorada comédia que rendera o prêmio de direção no festival de Cannes para o mestre Martin Scorsese.

Quando: Todo sábado, às 18 horas
Quanto: Entrada franca
Onde: Cineclube Aquiry na Usina de Arte João Donato (Av. das Acácias, nº 01 – Distrito Industrial – Rio Branco)
Informações pelo telefone: 3229 6892

“Depois de Horas” (After Hours, EUA, 1985) não é um projeto típico de Martin Scorsese, mas possui elementos consistentes com os temas preferidos do diretor. Embora tenha sido recebido pela crítica como uma espécie de filme menor, na época do lançamento nos cinemas, o longa-metragem só ganhou, em termos de respeito e credibilidade, com o tempo. A película pode ser lida como uma esquisofrênica declaração de amor a Nova York, e geralmente é assim que o público a recebe.
Para começar, “Depois de Horas” não é um drama barra-pesada, como "Taxi Driver" ou “Touro Indomável". Pelo contrário: é uma comédia de humor negro, um desses filmes satíricos, um pesadelo urbano capturado em celulóide. Este é um gênero que o diretor ítalo-americano nunca dominou muito bem. Embora seja um grande filme, cheio de lances surpreendentes e cenas hilariantes, dá para perceber uma certa hesitação por parte da montadora Telma Schoonmaker, parceira fiel de Scorsese. A montagem geralmente tem ainda mais importância na comédia: quantos segundos deve durar uma tomada? Quando cortar uma cena? Na comédia, meio segundo a mais pode fazer toda a diferença; uma cena engraçada pode virar nervosa e, com isso, perder a graça.
Há seqüências, aqui e acolá, onde se pode perceber sutis problemas de ritmo. Em determinado momento, o herói do filme, Paul Hackett (Griffin Dunne), entra num clube noturno para procurar outro personagem. O local está realizando uma festa temática sobre moicanos. Assim, ele é levado até um grupo de jovens que, barbeadores elétricos em punho, “transformam” os penteados dos freqüentadores em cortes punk radicais. Ocorre que Pasul não quer cortar o cabelo, e fica aterrorizado com a situação. No contexto do filme, a cena poderia ser muito engraçada, mas a edição a tornou rápida demais, e isso esvazia boa parte do surreal da situação. Esses problema de edição, contudo, é mínimo, e não chega a atrapalhar a bela experiência que é assistir a “Depois de Horas”.
O filme narra uma noite na vida de Paul Hackett. Ele é um programador de computadores, um yuppie que veste ternos e gravatas da moda, e mora na parte chique de "Manhattan", em Nova York. Após o trabalho, ele conhece uma garota, Marcy (Rosanna Arquette), numa lanchonete. Eles flertam, Paul apanha o telefone dela, e liga assim que chega em casa. Marcy o chama para sair. A noite promete, e o rapaz pega um táxi para ir até o SoHo, um subúrbio chique lotado de artistas plásticos e freaks de diversos tipos. No táxi, todo o dinheiro de Paul sai voando pela janela. É o primeiro de uma série de incidentes surreais, que o deixam “preso” dentro do bairro durante toda a madrugada, sem conseguir voltar para casa.
Claro: ao fazer graça sobre a multiculturalidade de Nova York, o filme a celebra. “Depois de Horas” tem um feeling de “Alice no País das Maravilhas”, e vários dos coadjuvantes com quem Paul cruza durante a madrugada são tipos impagáveis; garçonetes solitárias, artistas boêmios, vendedores, homossexuais enrustidos, garçons – é uma verdadeira fauna humana, pintada de forma colorida e bem humorada. Todo esse pessoal transforma progressivamente a vida de Paul Hackett em um inferno, para delícia do espectador. “Depois de Horas” não é aquele tipo de comédia que faz a gente rir o tempo todo, mas tem um tipo de humor fino, diálogos inteligentes e uma direção de fotografia (de Michael Ballhaus) sensacional, que realça as cores fortes mesmo quando filme se passa em exteriores mal iluminados.
Reza a lenda que o antológico final do longa-metragem foi modificado várias vezes, porque Scorsese não sabia a melhor maneira de encerrar a louca aventura de Paul Hackett. O filme termina do modo que conhecemos, segundo Schoonmaker, porque o cineasta Michael Powell andava pelas filmagens com freqüência (os dois, montadora e cineasta, estavam casados) e o sugeriu. Se foi assim, acertou na mosca: não haveria maneira mais apropriada de encerrar o filme sem transformá-lo em uma tragédia que retiraria todo o humor refinado.
O DVD de “Depois de Horas” contém alguns bônus interessantes. Há um documentários de bastidores (18 minutos), essencialmente narrado por Dunne e Amy Robinson, que produziram o longa e escolheram Scorsese para dirigi-lo; é curto, mas ágil e correto. Um comentário em áudio reúne Scorsese, Schoonmaker, Dunne, Robinson e Ballhaus. Existem 8 minutos de cenas cortadas, algumas bem interessantes. O filme em si tem corte original de imagens (widescreen anamórfico) e áudio Dolby Digital 2.0 Mono, formato atrasado mas que não compromete, por ser um filme essencialmente de diálogos.

Por Rodrigo Carreiro

After Hours - Depois de Horas (14/11 )

2009-11-09T11:58:00.000-08:00

É a história de uma noite na vida de Paul Hackett (Griffin Dunne), um operador de computador que trabalha no centro de Manhattan e odeia seu trabalho, como também não suporta sua solitária vida particular. Na noite em questão, cansado de ficar sozinho em casa, foi ler em um restaurante. Lá uma bela e encantadora jovem, que estava em outra mesa, puxa conversa dizendo que adora o livro que ele está lendo. Logo está na mesa dele e os dois conversam animadamente, parecendo compartilhar de alguns interesses comuns. Ela lhe diz que está indo para a casa de uma amiga, que é escultora e mora no Soho. Ela diz que sua amiga faz um tipo de trabalho que ela vende como peso para papel e pergunta se Paul quer comprar. Ele não tem o menor interesse, mas a mulher que está à sua frente lhe desperta muitas coisas, e assim diz que quer comprar. Como ela não sabe o preço dá o telefone de Kiki Bridges (Linda Fiorentino), a escultora, e vai embora. Já em casa, Paul liga para Kiki, usando como pretexto seu interesse por pesos para papel. Logo Kiki lhe diz que a jovem com quem falou chama-se Marcy, que vai ao telefone e sugere que ele a encontre no apartamento do Soho. Ele concorda prontamente, mas o que poderia ser uma noite agradável torna-se o início de uma noite conturbada. Os problemas já começam no caminho, quando Paul deixa voar pela janela do táxi sua única nota de vinte dólares. As ruas de Soho estão escuras e abandonadas, como um mau presságio. Marcy está passando alguns dias no apartamento de Kiki, que faz esculturas estranhas, tem gostos sexuais "excêntricos" e conversa estranhamente, ocultado ter sido queimada. No quarto de Marcy, Paul tem a conversa sucinta de um primeiro encontro e ela diz que seguramente eles terão grandes momentos. Entretanto tudo começa a dar e uma sucessão de eventos infernam a vida de Paul. Esta maré de má sorte vai em um crescendo, ao ponto de ser perseguido por uma turma que crê que Paul seja um bandido.

A Banda (Bikur Ha-Tzimoret/The Band's Visit) - 24/10/09

2009-10-20T11:38:00.000-07:00

No próximo sábado(24/10) às 18horas o cineclube Aquiry exibirá:

O filme A Banda, do diretor e roteirista israelense Eran Korilin, que vem acumulando prêmios em diversos festivais de cinema, é uma grata surpresa e não só pela inusitada temática.

Embalado por uma bela trilha sonora ao estilo jazzístico e pela adoção de tempos estendidos, ao estilo do mestre Antonioni, e também com claras referências ao cinema de Wim Wenders, A Banda ambienta-se em uma cidade perdida no deserto israelense. O tempo parece ali parar. E é nesse estado de suspensão da ação que somos mergulhados no universo de solidão não só do lugar em si, mas muito mais dos personagens, tanto dos que chegam, os músicos, quanto dos que ali permanecem para sempre.

Ao longo do filme, quase nos esquecemos de que tais personagens pertencem a dois grupos tradicionalmente conflituosos entre si: egípcios e israelenses. E esse é o grande atrativo de A Banda, a exposição do mundo interior desses personagens, mostrados apenas como pessoas comuns, exposição esta conduzida com extrema sensibilidade, como todo o bom cinema é capaz de realizar.

Fonte: Denise Duarte

Trailer:

O Silêncio (17/10)

2009-10-14T11:09:00.000-07:00

No próximo sábado(17/10) às 18horas o cineclube Aquiry exibirá:

O Silêncio, de Mohsen Makhmalbaf (1998)

Sinopse: Numa aldeia na fronteria entre o Irã e o Tadjiquistão, menino cego desenvolve um ouvido aguçado para construir o mundo que não consegue enxergar, através dos sons.

Quando: Todo sábado, às 18 horas
Quanto: Entrada franca
Onde: Cineclube Aquiry na Usina de Arte João Donato (Av. das Acácias, nº 01 – Distrito Industrial - Rio Branco)
Informações pelo telefone: 3229 6892

O SOM COMO LIBERTAÇÃO ESPIRITUAL EM "O SILÊNCIO", DE MAKHMALBAF

2009-10-14T11:07:00.000-07:00

Por Marcelo Ikeda

O Silêncio, de Mohsen Makhmalbaf, é um filme que rompe a hipocrisia de uma estética que se diz neutra/transparente, intervindo na forma como o espectador absorve o som. Ao contar a visão de mundo de um garoto cego, Makhmalbaf desde o início de seu filme conduz o seu filme pelos sons, pela audição, e não pela imagem, como é a regra no cinema clássico americano. Khorshid, o garoto cego, escolhe pães para sua mãe. Após hesitar em vários, ele finalmente aprova os pães de uma das vendedoras. Mas em seguida diz que sua escolha foi por causa da bela voz da vendedora, e não pela qualidade em si do pão. Os sons, de fato, guiam os passos de Khorshid, especialmente nas movimentadas ruas iranianas.

Em vários momentos do filme, Makhmalbaf troca a concepção clássica de ponto de vista pelo conceito de ponto de audição. Quando Khorshid está no ônibus, Makhmalbaf alterna o foco do segundo plano, mantendo a orelha do menino em primeiro plano para sugerir a mudança de atenção do menino para outros ambientes.

O caso mais radical da utilização de um ponto de audição ocorre na cena do mercado. Khorshid se perde de sua amiga, e ela resolve procurá-lo. Quando a câmera está na menina, ouvimos apenas os sons ambientes do local, o murmurinho da multidão e os anúncios dos vendedores. Mas quando a câmera acompanha o menino, vemos que os sons aparecem modificados. A poesia dos sons absorvidos por Khorshid ressalta o que não percebemos com nossa atenção às superfícies do meio físico. O ponto de audição, no caso, torna-se uma "câmera subjetiva". Makhmalbaf, de forma ainda mais poética, permitiu que o menino e sua amiga se reencontrassem de uma forma a ressaltar a utilização do som. O encontro só foi possível quando a amiga fecha os olhos. Guiada não mais pelos olhos, que circulavam a caótica multidão do mercado, mas agora pelos sons, ela encontra Khorshid fora do ambiente claustrofóbico do mercado.

Se Makhmalbaf recusa os padrões da narrativa clássica americana, isto sinaliza que o cineasta busca a liberdade. De fato, a liberdade é um tema bastante presente ao longo de todo o filme. O diretor, portanto, une um conceito estético de liberdade com uma proposta temática. Ora, o cinema clássico americano é acima de tudo materialista, e a recusa de Makhmalbaf por esses valores vai exatamente de encontro ao som, de natureza intangível, numa busca pelo espiritual/transcendental. Toda a peregrinação de Khorshid pelas ruas da cidade representa uma tentativa de libertação de um mundo guiado pelas necessidades físicas. Sua mãe está preocupada com o aluguel a ser pago no final do mês, e lança o filho às ruas. O menino precisa de dinheiro, necessidade que em geral envolve o mundo dos adultos, seja a mãe, os fiscais dos ônibus e o próprio dono da loja de instrumentos. A busca de Khorshid pelo som é a busca de Makhmalbaf pelo intangível, por uma libertação das necessidades concretas para atingir um nível espiritual, transcendendo a aparência da realidade concreta.

A preocupação de Makhmalbaf com o som, com o indizível, é tamanha que ele nem se preocupa em exibir as pessoas que representam a opressão no sistema. Identificar uma voz a um corpo é requisito básico do cinema clássico. No entanto, Makhmalbaf não mostra o rosto nem do dono da loja de instrumentos nem do locador da residência.

O desejo de libertação de Khorshid é ocultado pela ânsia materialista do mundo dos adultos. Khorshid possui uma incrível sensibilidade para apurar os instrumentos, já que, como vemos ao longo de todo o filme através de seu ponto de audição, ele possui um sentido acústico bastante desenvolvido em relação ao das demais pessoas. Ainda assim, o dono da loja de instrumentos e o professor que rege a orquestra de meninos dizem que Khorshid não sabe afinar os instrumentos. De fato, a sociedade geralmente se volta contra aqueles que possuem uma sensibilidade maior que a média, recriminando seus sentimentos. Numa sociedade especialmente consumista, os desejos e as sensibilidades devem ser moldadas segundo um padrão médio, gosto estabelecido pelo mercado. Aquele que se diferencia é recriminado. Da mesma forma, o próprio cinema de Makhmalbaf, com uma maior sensibilidade e abertura em relação ao cinema americano, é visto por muitos como "retroativo" e "monótono". Não por acaso, Khorshid possui uma sensibilidade musical que tem como tema recorrente as quatro notas da abertura da 5ª sinfonia de Beethoven, compositor genial considerado por muitos em sua época como um louco.

O cinema de Makhmalbaf é um cinema de libertação porque ele acredita que o caminho de transformação pode ser seguido. Daí a idéia da criança, que simboliza a esperança e o futuro. Novamente em relação aos sons, sua trajetória é de uma completa transformação. O filme começa com as quatro batidas do locador da residência, cobrando o dinheiro do aluguel. Mas no final, os mesmos quatro sons da abertura se transformaram na própria sinfonia de Beethoven. A liberdade do menino, que foge do mundo materialista das batidas do locador, é alcançada através de uma manifestação artística, com a sinfonia. Makhmalbaf no fundo fala sobre o papel do artista nessa transformação, apontando os caminhos para a transformação e indicando a arte como manifestação de uma essência de indivíduo diretamente relacionada à idéia de liberdade.

Por fim, se O Silêncio é guiado especialmente através dos sons, as imagens também possuem importante função. Já que o filme fala sobre o tema da liberdade, o diretor promove uma associação entre os homens e os animais, que também são oprimidos em sua liberdade pelos homens para atingir objetivos físicos materialistas. Na cena mais marcante, através da montagem, Makhmalbaf associa um menino que carrega Khorshid em um carrinho de mão para ganhar uns trocados com um animal de carga. O esforço sobre-humano do pequeno garoto é entrecruzado com cenas de animais de carga. A associação fica explícita com o uso da montagem, numa perspectiva puramente eisensteiniana, como na famosa cena da matança em A Greve (1928).

Ao final do filme, à beira do lago, Khorshid parece próximo de sua libertação individual, embora não tenha recuperado o dinheiro do aluguel. O menino brinca à beira da água, caminhando como numa dança de um ritual, que o diretor corta para acompanhar os passos de um cavalo sobre as águas. A poética associação, o encontro do homem com sua autêntica natureza, insere a questão do ciclo e da transitoriedade da matéria. Nesse ponto, Makhmalbaf se aproxima mais da poesia de Alexander Dovzhenko do que de Eisenstein.

Üç maymun / 3 macacos (10/10)

2009-10-07T07:41:00.000-07:00

Sinopse: Contra todas as possibilidades, uma família tenta esconder as mentiras que a envolve para se manter unida. A fim de evitar dificuldades e responsabilidades que, de outra forma seriam impossíveis de suportar, a família opta por ignorar a verdade, não para ver, ouvir ou falar sobre isso. Como no jogo dos "três macacos", escolheu ignorá-las, não vê-las, ouvi-las ou falar sobre elas. Mas esse jogo invalidaria a existência dos fatos?

Título no Brasil: 3 MacacosTítulo Original: Üç maymun / Three Monkeys
País de Origem: Turquia / França / Itália
Gênero: Drama
Classificação etária: 14 anos
Tempo de Duração: 109 minutos
Ano de Lançamento: 2008
Estréia no Brasil: 27/02/2009
Site Oficial: http://3monkeysmovie.com
Estúdio/Distrib.: Imovision
Direção: Nuri Bilge Ceylan

Por: Willis de Faria
O título deste filme vem da história japonesa em que existem três macacos, o primeiro representado com a mão a tapar os olhos, o segundo com a mão nos ouvidos e o último com a boca tapada de modo a evitar a percepção do diabo. O grande problema destes macacos é que o diabo continua diante dos três. E a história do filme não é mais que a tradução desta fábula japonesa para a realidade contemporânea turca. Servet (Ercan Kesal) um homem de negócios na Turquia, candidato as eleições local, dirige sozinho em uma estrada praticamente deserta. É noite e ele está com sono, mas atropela uma pessoa mortalmente por acidente numa floresta e decide fugir, mas a placa do seu carro é anotada por uma testemunha. Para prevenir um escândalo decide dizer que foi o seu motorista Eyüp (Yavuz Bingol), que conduzia o carro naquele instante e propõe ao seu empregado confessar o crime em troca de uma quantidade de dinheiro avultada. Então a motorista aceita e é condenado a 8 meses de prisão pelo crime. Enquanto está na cadeia a sua mulher Hacer (Hatice Aslan) envolve-se amorosamente de forma freqüente com o empresário a troco de adiantamentos de dinheiro. O filho dos dois, Ismail (Ahmet Rifta Sungar) apesar de resistência inicial aceita calar-se porque necessitava de dinheiro. Quando Eyüp sai da prisão, a sua relação com a família torna-se um inferno silencioso. Os três sabem do que se passa, mas nenhum tem coragem em falar, em ouvir e a ver para manter a unidade familiar. É uma história complicada, mas que o cineasta filme com uma grande sensibilidade realçando os silêncios, os pensamentos e as expressões das personagens. Não é um filme de grandes diálogos, mas de inteligência e sensibilidade. O tema do filme é o silêncio, não um silêncio tranqüilo, mas um silêncio forçado e falso. Por vezes torna-se contemplativo chegando mesmo a realçar a beleza do porto de Istambul, visto de sua residência. O trabalho de fotografia deste filme é elaborado e original e o realizador usa uma vasta amplitude de ângulos de câmara na realização, mas não deixa de ser um filme sóbrio. O filme Três Macacos; é uma história sobre essa família e das decisões que venham a fazer para evitar a virada em direção a verdade, é também da sociedade sobre a nossa tendência para fechar os olhos ao que tínhamos que perceber, mas preferimos ignorar, de modo tomar decisões em nossas vidas para a imediata percepção do benefício, em vez de longo prazo. Três Macacos ganharam o prêmio de Melhor Diretor no Festival de Cannes de 2008 e foi pré-finalista do Oscar para melhor filme estrangeiro este ano. Ele é um filme de arte dramática, com poucos diálogos, mas que as imagens por si falam. Indicado para um público amante da 7ª arte. Se você deseja ação, humor ou extravasar suas energias em filme hollywoodiano, que atinja a toda massa de público, eu não aconselho. Mas se é amante da arte cinematográfica não pode deixar de assistir.

Quando: Sábado dia 10 de outubro, às 18 horas
Quanto: Entrada franca
Onde: Cineclube Aquiry na Usina de Arte João Donato (Av. das Acácias, nº 01 – Distrito Industrial - Rio Branco)
Informações pelo telefone: 3229 6892

Paradise Now 03/10

2009-09-30T10:36:00.000-07:00

Sinopse: Amigos de infância, os palestinos Khaled (Ali Suliman) e Said (Kais Nashef) são recrutados para realizar um atentado suicida em Tel Aviv. Depois de passar com suas famílias o que teoricamente seria a última noite de suas vidas, sem poder revelar a sua missão, eles são levados à fronteira. A operação não ocorre como o planejado e eles acabam se separando. Distantes um do outro, com bombas escondidas em seus corpos, Khaled e Said devem enfrentar seus destinos e defender suas convicções.

título original: Paradise Now
gênero: Drama
duração: 01 hs 30 min
ano de lançamento:2005
estúdio: Augustus Film / Razor Film Produktion GmbH / Lumen Films / arte France Cinéma
distribuidora: Warner Independent Pictures / Europa Filmes
direção: Hany Abu-Assad
roteiro: Hany Abu-Assad, Bero Beyer e Pierre Hodgson
produção: Bero Beyer
música: Jina Sumedi
fotografia: Antoine Héberlé
edição: Sander Vos

Fonte: www.adorocinema.com/

Quando: Sábado dia 03 de outubro, às 18 horas

Quanto: Entrada franca

Onde: Cineclube Aquiry na Usina de Arte João Donato (Av. das Acácias, nº 01 – Distrito Industrial - Rio Branco)

Informações pelo telefone: 3229 6892

Paraíso Agora!!!

2009-09-30T10:31:00.000-07:00

PARADISE NOW - É o primeiro filme sobre os conflitos entre judeus e mulçumanos na região de Israel que não toma partido. E isso faz com que a produção ganhe um ponto de vista muito rico e que leva o espectador a reflexão. Paradise Now, além da qualidade de se manter neutro, tem outros pontos positivos: a química e o talento dos protagonistas, a fotografia impecável e a trilha sonora mágica. Isso, sem falar na ótima trama, cheia de diálogos tensos e que fazem do filme um dos mais surpreendentes que vi nos últimos anos. Tudo isso com uma abordagem diferente: do ponto de visto dos próprios homens-bomba. Quando acender as luzes no cinema é impossível não questionar os motivos que levam alguém a explodir-se por uma causa. A trama - Said e Khaled são dois palestinos amigos de infância, escolhidos, quase que sem aviso, para um ataque suicida. Eles aguardavam sua hora há vários anos e, quando ela chega, ambos têm tempo apenas para passar a última noite com as respectivas famílias. Mas seus instrutores terroristas avisam que ninguém pode desconfiar do fato. Assim, os agradecimentos são deixados para um vídeo. Durante suas últimas horas de vida, um mergulha em dúvidas sobre a ação. Já o outro, filho de um colaborador executado como traidor, não hesita em seguir seu destino. Um pequeno e poderoso filme, que prova que atos pacifistas podem vir das fontes mais improváveis possíveis.

Ciclo Oriente Médio

2009-09-30T10:26:00.000-07:00

No mês de outubro o cineclube Aquiry apresenta o ciclo Oriente Médio.
Confira a programação abaixo:

Quanto Vale ou é Por Quilo? - Trailer

2009-09-23T09:34:00.000-07:00

Quanto Vale ou é Por Quilo? (26 de setembro)

2009-09-23T09:01:00.000-07:00

No próximo sábado(26/09) às 18horas o cineclube Aquiry exibirá:

Quanto Vale ou é Por Quilo?, de Sérgio Bianchi (2005)

Sinopse: Uma analogia entre o antigo comércio de escravos e a atual exploração da miséria pelo marketing social, que forma uma solidariedade de fachada. No século XVII um capitão-do-mato captura um escrava fugitiva, que está grávida. Após entregá-la ao seu dono e receber sua recompensa, a escrava aborta o filho que espera. Nos dias atuais uma ONG implanta o projeto Informática na Periferia em uma comunidade carente. Arminda, que trabalha no projeto, descobre que os computadores comprados foram superfaturados e, por causa disto, precisa agora ser eliminada. Candinho, um jovem desempregado cuja esposa está grávida, torna-se matador de aluguel para conseguir dinheiro para sobreviver.

Site Oficial: http://www.quantovaleoueporquilo.com.br/

Quando: Todo sábado, às 18 horas

Quanto: Entrada franca

Onde: Cineclube Aquiry na Usina de Arte João Donato (Av. das Acácias, nº 01 – Distrito Industrial - Rio Branco)

Quanto vale ou é por quilo?

2009-09-23T07:45:00.000-07:00

Por Marcelo Hessel e Danilo Corci

As obras do cineasta paranaense, Sérgio Bianchi, sempre se esforçam em mostrar que, por trás da simpática idéia do jeitinho brasileiro, existe uma hipocrisia que permeia a rotina nacional. Em Quanto vale ou é por quilo? Bianchi utiliza-se do recurso de histórias intercaladas para, mais uma vez, apontar o dedo acusatório contra seu segmento preferido para levar pancadas: a classe média.
E ironiza um elemento social de benemerência quase intocável: o terceiro setor. Na visão de Bianchi, ONGs são terreno fértil de corrupção, caixa dois, projetos falidos que só servem para contabilizar a pobreza como forma de negócio. Pior. São uma forma de perpetuar a miséria - daí as comparações com o período escravagista do país.
Livre adaptação do conto machadiano Pai contra mãe, o filme começa no século XVIII, quando senhores atrelavam ao custo da liberdade de seus escravos um juro crescente ao ano. O que parecia boa vontade virava negócio muito lucrativo - coisa que Bianchi mostra acontecer hoje em dia, quando uma ONG fictícia superfatura a doação de computadores bichados a uma escola de favela.
No período colonial, para sobreviver decentemente, negros viravam capitães-do-mato para caçar escravos fugidos. Bianchi também espelha o caso negro-contra-negro dos dias de hoje. O caçador virou matador de aluguel. É o desfecho dramaticamente poderoso de um filme que até então se escora mais no sarcasmo - mais uma vez para mostrar que no Brasil nada muda, nunca.
Tudo é negócio para a classe média enfastiada, atrás de alívio de consciência, de posar com o menino carente em fotos oficiais, uma cultura que cresceu no país da Era FHC: onde o estado é incompetente, coloque-se lá você (de preferência com um bom projeto que consiga a famosa captação de cifras do governo rapidamente).
A sugestão é a ferramenta de Bianchi, um ótimo provocador, geralmente inconsequente. Ele evita encerrar discussões, tanto que deixa pontos abertos a uma ou duas interpretações - quem acompanhar os créditos finais saberá. O saldo pende mais para o cinismo do que para o drama, mas é de humor mesmo, de brincadeiras com fundo de verdade, que precisamos para esquecer da nossa eterna vocação para perdedores.

Fonte: omelete

Nome Próprio (19 de setembro)

2009-09-16T12:06:00.000-07:00

descrição:

Uma jovem apaixonada pela escrita busca criar para si uma existência complexa o suficiente que possa ser por ela narrada. Dirigido por Murilo Salles (Seja o que Deus Quiser) e com Leandra Leal no elenco.

ficha técnica:

título original:Nome Próprio
gênero:Drama
duração:02 hs 10 min
ano de lançamento:2008
site oficial:http://www.nomeproprioofilme.com.br
estúdio:Cinema Brasil Digital
distribuidora:Downtown Filmes
direção: Murilo Salles
roteiro:Elena Soarez, Murilo Salles e Melanie Dimantas, baseado nos livros "Máquina de Pinball" e Vida de Gato", de Clarah Averbuck, e em textos publicados pela autora em seu blog pessoal
produção:Flávio Frederico, Suzana Villas Boas e Lionel Combecau
música:Sacha Amback
fotografia:Fernanda Riscali e Murilo Salles
direção de arte:Pedro Paulo de Souza
figurino:Mariana Pamplona Iavelberg
edição:Vânia Debs
efeitos especiais:

elenco:

Leandra Leal (Camila)
Juliano Cazarré (Felipe)
Alex Didier
(Henri)
Munir Kanaan (Márcio)
David Katz (Guilherme)
Rosane Mulholland (Paula)
Ricardo Garcia (Rodrigo)
Gustavo Machado (Daniel)
Reginaldo Faidi
Martha Nowill
Frank Borges
Fábio FroodMilhem Cortaz
Norival Rizzo
Paulo Vasconcelos
Alan Medina
Luciana Brites
Ricardo Galli

Quando: Todo sábado, às 18 horas
Quanto: Entrada franca
Onde: Cineclube Aquiry na Usina de Arte João Donato (Av. das Acácias, nº 01 – Distrito Industrial - Rio Branco)
Informações pelo telefone: 3229 6892

CIRCUITO PATATIVA DO ASSARÉ E MESTRE VEREQUETE

2009-09-09T13:02:00.000-07:00

No próximo sábado(12/09) às 18horas o cineclube Aquiry exibirá:

Circuito Patativa do Assaré - Ave Poesia, de Rosemberg Cariry (2009)
Sinopse: O filme aborda a vida e a obra do poeta Patativa do Assaré, destacando a relevância dos seus poemas, o significado político dos seus atos e a sua imensa contribuição à cultura brasileira.

Circuito Mestre Verequete - Chama Verequete, de Luiz Arnaldo Campos e Rogério Parreira (2002)
Sinopse: Documentário poético sobre Mestre Verequete, personagem fundamental da história do ritmo raiz do Pará, o Carimbó, que legitimou e divulgou pelos quatro cantos do Brasil.

Quando: Todo sábado, às 18 horas
Quanto: Entrada franca
Onde: Cineclube Aquiry na Usina de Arte João Donato (Av. das Acácias, nº 01 – Distrito Industrial - Rio Branco)
Informações pelo telefone: 3229 6892

Quase Famosos (05 de setembro)

2009-09-02T06:22:00.000-07:00

Um fã ávido por rock'n'roll consegue um trabalho na revista americana Rolling Stone, para acompanhar a banda Stillwater em sua primeira excursão pelos Estados Unidos. Porém, quanto mais ele vai se envolvendo com a banda, mais vai perdendo a objetividade de seu trabalho e logo estará fazendo parte do cenário rock dos anos 70.
Ficha Técnica
Título Original: Almost Famous
Gênero: Drama
Tempo de Duração: 122 minutos
Ano de Lançamento (EUA): 2000
Site Oficial: http://www.almost-famous.com/
Estúdio: DreamWorks SKG / Vinyl Films
Distribuição: DreamWorks Distribution L.L.C.
Direção: Cameron Crowe
Roteiro: Cameron Crowe
Produção: Ian Bryce e Cameron Crowe
Música: Nancy Wilson
Direção de Fotografia: John Toll
Desenho de Produção: Clay A. Griffith e Clayton Hartley
Direção de Arte: Virginia L. Randolph
Figurino: Betsy Heimann
Edição: Joe Hutshing e Saar Klein
Fonte: AdoroCinema
Quando: Sábado dia 05 de setembro, às 18 horas
Quanto: Entrada franca
Onde: Cineclube Aquiry na Usina de Arte João Donato (Av. das Acácias, nº 01 – Distrito Industrial - Rio Branco)
Informações pelo telefone: 3229 6892

Honesto e impiedoso

2009-09-02T06:13:00.000-07:00

"Almost Famous", título em inglês, é a história do amadurecimento de William Miller (o alterego de Cameron Crowe), um garoto que teve a vida transformada pelos álbuns de rock que sua irmã deixou quando foi embora de casa. (A cena em que Miller abre o pacote cheio de vinis e observa as capas dos discos com o mesmo encantamento de um menino que acaba de descobrir algo proibido é memorável). A busca por alguém que pudesse representar Crowe nas telas foi difícil e demorada. Em meio a centenas de fitas com testes para a vaga, o diretor percebeu algo de especial em um garoto desconhecido do Centro-Oeste norte-americano. Era Patrick Fugit. "Ele era engraçado, um tanto desajeitado, mas desprovido de qualquer cinismo. Tive a certeza de que poderíamos rodar o filme no momento em que encontrei Patrick", afirmou o diretor. Incorporando um jeito meigo, inocente e idealista, o novato ator faz de William Miller uma atração a parte do filme.
Aos 15 anos de idade, enquanto escrevia para pequenas publicações de sua cidade, Miller conheceu Lester Bangs, um incorruptível crítico de rock da época. Ele fornece uma dica fundamental: "Seja honesto e impiedoso". Não demora muito e a revista Rolling Stone, encantada com o texto de Miller, convida o jovem escritor para uma colaboração. O garoto sugere uma matéria sobre o Stillwater, uma banda a caminho do estrelato. Enquanto acompanha a turnê e vai entrevistando os músicos do grupo, Miller tem que ligar para casa e avisar sua mãe, a professora Elaine Miller, interpretada pela ótima Frances McDormand, onde e como ele está. E ela nunca desliga sem o último conselho: "Fique longe das drogas".Durante a turnê, o jovem jornalista se deixa apaixonar por Penny Lanne (Kate Hudson), uma linda e encantadora fã que não desgruda do grupo. Mesmo com seus belos cachos louros, seu olhar de anjo cativante e sua paixão por Russel Hammond (Billy Crudup), ela é trocada por 50 cervejas em uma aposta entre banda. Pela sua interpretação, Kate Hudson ganhou o Globo de Ouro de melhor atriz coadjuvante e foi indicada ao Oscar.Tema da primeira matéria de William para a Rolling Stone, a fictícia banda Stillwater e sua trajetória no filme são, na verdade, uma mistura do que Cameron Crowe viveu ao lado de Led Zeppelin, Allman Brothers, Lynyrd Skynard, The Eagles e The Who durante os primeiros anos da década de 70. No filme, louco depois de ter tomado LSD em uma festa, o guitarrista sobe no telhado de uma casa e grita "Eu sou um deus dourado". Na vida real, a frase teria sido dita pelo vocalista do Led Zeppelin, Robert Plant, no topo de um hotel em Los Angeles.Em outra cena, uma forte tempestade faz o avião em que o Stillwater está viajando enfrentar sérios problemas. Achando que ninguém fosse sobreviver, os integrantes começam a falar sobre seu passado, revelando segredos. Isso aconteceu de verdade com o pessoal do The Who, quando excursionavam pelos EUA em um avião. Cameron Crowe seguia a banda para uma matéria. Mas apesar de tratar de um período conturbado na história do rock, Quase Famosos não é um filme forte. Nada de drogas pesadas usadas pelos roqueiros, de conflitos tempes-tuosos, da depressão por se estar na estrada tocando pelos mais estranhos cantos dos EUA. Quase Famosos é divertido, sentimental, leve e muito gostoso de se assistir. É a mistura perfeita entre sátira e melodrama, típica das boas histórias para adolescente filmadas na década de 80. Não bastasse tudo isso, é também um dos melhores filmes já feitos sobre rock n´roll.

Texto de Juliano Zappia Omelete

The Rolling Stones – Shine a Light

2009-08-27T05:53:00.000-07:00

Sinopse: As filmagens e os bastidores de duas apresentações da banda Rolling Stones no Beacon Theater, em Nova York, em 29 de outubro e 1º de novembro de 2006.

Quando: Todo sábado de agosto, às 18 horas

Quanto: Entrada franca

Onde: Cineclube Aquiry na Usina de Arte João Donato (Av. das Acácias, nº 01 – Distrito Industrial - Rio Branco)Informações pelo telefone: 3229 6892

Stones/Scorsese

2009-08-25T06:44:00.000-07:00

The Rolling Stones - Shine a Light seria só mais um ordinário registro de banda ao vivo, se os envolvidos não fossem quem são. Os Stones entram com a excelência musical e o joie de vivre de quem não tem mais nada a provar. E o cineasta soma com seu amor pelas canções da banda (que freqüentemente aparecem nas trilhas sonoras de seus filmes) e sua boa mão de documentarista, atento a pequenos detalhes - acredite, você nunca percebeu a importância dos dentes de Mick Jagger para a música.
O filme/show ganha muito por não ter sido gravado em grandes locações, onde a banda está acostumada a se apresentar. No final de 2006, em meio à mega turnê A Bigger Bang, Scorsese conseguiu marcar duas apresentações no elegante Beacon Theater, em Nova York. Ali dentro, a superprodução tomou conta, com 20 câmeras espalhadas pelo lugar. Até a platéia de fãs da primeira fila foi escolhida a dedo, cada um recebendo cachê de 75 dólares pela presença.
Mas tudo são detalhes, perto do repertório registrado. A escolha do setlist faz parte do momento cômico do filme. Jagger enrolou Scorsese até o último momento: o diretor só ficou sabendo quais músicas seriam tocadas quando a banda abria a introdução de "Jumpin' Jack Flash" (nesse ponto, já estava arrancando as sobrancelhas de nervoso). No final das contas, a lista deu preferência aos grandes clássicos dos Stones. As músicas mais recentes são de Tattoo You, álbum de 1981.
Os convidados especiais incluem Christina Aguilera, surpreendentemente boa em "Live With Me" (mesmo que Keith Richards tenha declarado depois que não sabe até hoje quem é aquela mulher que invadiu o palco), Jack White (feliz feito criança, em "Loving Cup") e Buddy Guy (ponto alto, com "Champagne & Reefer", de Muddy Waters). Richards é um espetáculo à parte no meio da apresentação, assumindo o vocal blueseiro e chapado de "You Got the Silver" e "Connection".
Claro que, por melhores que sejam a banda e as músicas, assistir a um show sentado no cinema tem um quê de chatice. Daí vem a esperteza de Scorsese, que incluiu imagens antigas da banda ao redor do mundo, a maior parte em entrevistas dos anos 60/70, para quebrar o ritmo e traçar um histórico curioso do fenômeno Rolling Stones.
Entre os riffs de Keith Richards e Ronnie Wood, um sorriso mal-humorado de Charlie Watts para a câmera e as requebradas de Mick Jagger, Shine a Light é um registro superior da velha carreira dos britânicos. E ajuda a provar que esses quatro não são os homens mais importantes do mundo à toa. Só olhar para Bill Clinton (o ex-homem quase mais importante), salivando ao lado deles nos bastidores, para se ter certeza. Sorte nossa que eles devem durar, pelo menos, mais uns dez anos.

Texto de: Eduardo Viveiros

Cazuza - O Tempo Não Para

2009-08-18T08:39:00.000-07:00

O Cineclube Aquiry dá seqüência ao Ciclo Rock and Roll e exibe Cazuza- O Tempo Não Pára, neste sábado (22/08), às 18hs na Usina de Arte João Donato.
Entrada Franca.

Eu Preciso Dizer Que Te Amo

2009-08-18T08:33:00.000-07:00

- Inicialmente o título do filme seria "Eu Preciso Dizer Que Te Amo".- Para escolha do ator para o papel de Cazuza, Sandra Werneck, desde o início queria um desconhecido. Achava que nenhum ator muito marcado entraria na vida do Cazuza como eu gostaria. Foram mais de 60 testes, o Faustão anunciou a busca de um ator para o papel, muita gente apareceu. Nos testes, não dava cenas, preferia a improvisação. Daniel Oliveira foi sugerido pelo ator Sérgio Maciel, que tinha sido companheiro de Cazuza. Daniel tinha feito uma ponta em um filme que nunca passou, estava fazendo uma peça e só tinha participado de Malhação. No teste, ele deveria improvisar a cena de quando recebia o resultado do teste da Aids. A maioria dos atores chorava, corria, se desesperava. Ele pegou o teste, amassou, botou na boca e cantarolou "o meu futuro é duvidoso". Ele teve uma atitude totalmente Cazuza. Sandra Werneck não teve mais dúvida, mas não podia escolher sozinha. Levou uma fita com oito testes para os pais do Cazuza. Quando João viu Daniel, falou: "é esse, Lucinha".- Os atores fizeram um curso de preparação com Walter Lima Jr. Ninguém se conhecia, quem era músico não era ator, quem era ator não era músico. O Arlindo Lopes, que faz o Dé, não sabia tocar nada, aprendeu em um mês. O Cadu Favero, que faz o Frejat, só sabia tocar o solo de "Pro dia nascer feliz". O André Pfefer, que faz o Maurício, não era ator. O Dudu, que faz o Guto, é um super ator, mas não era músico. Daniel Oliveira brincava de cantar em Belo Horizonte, mas nada profissional. Durante a preparação do filme tive aula de canto para chegar mais perto do timbre do Cazuza.- Produtor do primeiro disco do Barão Vermelho, em 82, junto com Ezequiel Neves, Guto Graça Mello assina a direção musical do filme, que tem pelo menos 40 cenas envolvendo parte do repertório da banda e de Cazuza, além de músicas clássicas e outras de Cartola e Ney Matogrosso. - A carreira do Barão Vermelho deslanchou depois que Guto e Ezequiel conseguiram vencer a resistência de João Araújo, pai de Cazuza e presidente da Som Livre, a gravar o primeiro disco do Barão Vermelho. Nos últimos oito meses, Guto recolheu os tapes de gravações e recuperou todo o material da banda. - Daniel Oliveira usou de lente de contato e teve que emagrecer 11 quilos, para o papel. Perdeu os 11 quilos em três semanas em um regime radical - em casa e num spa.- Antes de começar as filmagens de Cazuza, Emílio de Mello quis conhecer Ezequiel Neves, sua personagem no filme e parceiro de longa data de Cazuza. Um contato que chegou a render eventuais mexidas no roteiro, aprovadas pela diretora Sandra Werneck- A exemplo de seus outros filmes, o apartamento de Sandra, na Gávea, também serviu de locação, como casa de Lucinha Araújo, mãe de Cazuza.- Em um no pátio de um condomínio na Epitácio Pessoa, na Lagoa, para recriar num palco improvisado o primeiro show do Barão Vermelho, que na realidade ocorreu em 82 na Barra.- Flávio Tambellini, que assina a co-produção, viabilizou a construção de uma réplica do Circo Voador no Arpoador e a criação em estúdio de cenários que revivem o Rio dos anos 80 e de Cazuza. - Os figurinos também trazem de volta as marcas que ditaram a moda na Zona Sul dos anos 80. O olhar atento desvenda rapidamente a camiseta da lata, os anjinhos da Fiorucci, a bermuda jeans da Dimpus, os tênis das marcas All Star e Company, a calça baggy, os biquínis de pano e de tricô, spencers, leggings e as bandanas coloridas. E também o brinco grande numa orelha só, os cabelos assimétricos e as ombreiras. A figurinista Claudia Kopke vasculhou em brechós as relíquias que fizeram a cabeça e vestiram os jovens da geração Cazuza. Para retratar o período que começa no fim dos anos 70 e termina com a morte do cantor, em 90, o filme desfila por dois estilos diferentes. - A equipe reproduziu as camisetas usadas em shows pelos músicos do Barão Vermelho. Numa delas, Cazuza expõe toda a sua irreverência com os dizeres "Prefiro o Toddy ao tédio".

Fonte: http://www.adorocinemabrasileiro.com.br/

Oficina de Fotografia em HD com Lúcio Kodato

2009-08-12T14:40:00.000-07:00

O curso de cinema e vídeo da Usina de Arte João Donato, coordenado pelo Núcleo de Produção Digital – NPD-AC, oferece de 17 a 21 deste mês a oficina Fotografia em HD (alta definição) ministrada por Lúcio Kodato. A oficina será realizada no período vespertino(14:00 às 18:00) e no período noturno(19:00 às 23:00), sendo que no período vespertino as aulas serão no cineclube Aquiry com uma ênfase maior na teoria e, no período noturno as aulas serão no estúdio com prática avançada de luz e exercícios com câmera.

O público alvo são os alunos do curso de cinema e vídeo da Usina de Arte João Donato, profissionais da área de fotografia e câmera de empresas produtoras, emissoras de TVs e associações de audiovisual de Rio Branco.

Os interessados confirmar inscrição até sexta-feira (14/08) com Wander na Usina de Arte João Donato ou nos telefones 3229 6892 / 8405 3569. VAGAS LIMITADAS!

Hair

2009-08-11T07:16:00.000-07:00

Claude Bukowski é um jovem de Oklahoma que chega a Nova York. Tem poucos dias para conhecer a cidade antes de incorporar-se ao exército com o qual irá para o Vietnã.No Central Park, conhecerá uma grande comunidade hippie e sua vida mudará radicalmente. Com a ajuda deles, tentará seduzir Sheila, uma garota pela qual se apaixonou. Com um final emocionante, numa profunda manifestação antibélica, Hair é um musical que canta o amor livre, o sexo e as drogas, ao mesmo tempo que critica a sociedade de consumo e a guerra.O filme é dirigido pelo tcheco Milos Forman, que mais tarde ganharia o Oscar por Amadeus, e baseado na obra de Gerome Ragni, James Rado e Galt MacDermot. Hair foi, do início como musical de Broadway, muito mais que uma simples encenação teatral. Seu sucesso e sua repercussão o transformaram num verdadeiro fenômeno cultural, que conseguiu retratar o espírito hippie de finais dos 60. Muitas das canções, como Aquarius ou Let the Sunshine In, transcenderam o marco de Hair e viraram clássicos. Com exuberância, originalidade e humor, Treat Williams e Beverly D'Angelo lideram um elenco de futuras estrelas, neste filme que é um dos fenómenos mais populares da Broadway, de todos os tempos.

Ficha Técnica
Título Original: Hair
Gênero: Musical
Tempo de Duração: 120 minutos
Ano de Lançamento (EUA): 1979
Estúdio: CIP Filmproduktion GmbH
Distribuição: United Artists
Direção: Milos Forman
Roteiro: Michael Weller, baseado em peça de Gerome Ragni e James Rado
Produção: Michael Butler e Lester Persky
Música: Galt MacDermot, James Rado e Gerome Ragni
Direção de Fotografia: Miroslav Ondrícek
Desenho de Produção: Stuart Wurtzel
Figurino: Ann Roth
Edição: Alan Heim, Lynzee Klingman e Stanley Warnow
Fonte: AdoroCinema

Quando: Sábado dia 15 de agosto, às 18 horas
Quanto: Entrada franca
Onde: Cineclube Aquiry na Usina de Arte João Donato (Av. das Acácias, nº 01 – Distrito Industrial - Rio Branco)
Informações pelo telefone: 3229 6892

Nota Explicativa

2009-08-11T06:50:00.000-07:00

No último sábado (08/08), não houve sessão no cineclube Aquiry, pelo fato da forte chuva que provocou a queda do fornecimento de energia elétrica. Por isso, a sessão com o filme Almost Famous - Quase Famosos, de Cameron Crowe (2000), foi transferida para o primeiro sábado do mês de setembro (05/09).

Os demais filmes da programação do ciclo Rock and Roll permanece sem alteração.

Cineclube Aquiry

Quase Famosos (08 de agosto)

2009-08-03T06:11:00.000-07:00

Ficha Técnica

Título Original: Almost Famous

Gênero: Drama

Tempo de Duração: 122 minutos

Ano de Lançamento (EUA): 2000

Site Oficial: http://www.almost-famous.com/

Estúdio: DreamWorks SKG / Vinyl Films

Distribuição: DreamWorks Distribution L.L.C.

Direção: Cameron Crowe

Roteiro: Cameron Crowe

Produção: Ian Bryce e Cameron Crowe

Música: Nancy Wilson

Direção de Fotografia: John Toll

Desenho de Produção: Clay A. Griffith e Clayton Hartley

Direção de Arte: Virginia L. Randolph

Figurino: Betsy Heimann

Edição: Joe Hutshing e Saar Klein

Fonte: AdoroCinema

Quando: Sábado dia 08 de agosto, às 18 horas

Quanto: Entrada franca

Onde: Cineclube Aquiry na Usina de Arte João Donato (Av. das Acácias, nº 01 – Distrito Industrial - Rio Branco)

Informações pelo telefone: 3229 6892

Honesto e impiedoso

2009-08-03T06:00:00.000-07:00

Aos 15 anos de idade, enquanto escrevia para pequenas publicações de sua cidade, Miller conheceu Lester Bangs, um incorruptível crítico de rock da época. Ele fornece uma dica fundamental: "Seja honesto e impiedoso".
Não demora muito e a revista Rolling Stone, encantada com o texto de Miller, convida o jovem escritor para uma colaboração. O garoto sugere uma matéria sobre o Stillwater, uma banda a caminho do estrelato. Enquanto acompanha a turnê e vai entrevistando os músicos do grupo, Miller tem que ligar para casa e avisar sua mãe, a professora Elaine Miller, interpretada pela ótima Frances McDormand, onde e como ele está. E ela nunca desliga sem o último conselho: "Fique longe das drogas".
Durante a turnê, o jovem jornalista se deixa apaixonar por Penny Lanne (Kate Hudson), uma linda e encantadora fã que não desgruda do grupo. Mesmo com seus belos cachos louros, seu olhar de anjo cativante e sua paixão por Russel Hammond (Billy Crudup), ela é trocada por 50 cervejas em uma aposta entre banda. Pela sua interpretação, Kate Hudson ganhou o Globo de Ouro de melhor atriz coadjuvante e foi indicada ao Oscar.

Tema da primeira matéria de William para a Rolling Stone, a fictícia banda Stillwater e sua trajetória no filme são, na verdade, uma mistura do que Cameron Crowe viveu ao lado de Led Zeppelin, Allman Brothers, Lynyrd Skynard, The Eagles e The Who durante os primeiros anos da década de 70. No filme, louco depois de ter tomado LSD em uma festa, o guitarrista sobe no telhado de uma casa e grita "Eu sou um deus dourado". Na vida real, a frase teria sido dita pelo vocalista do Led Zeppelin, Robert Plant, no topo de um hotel em Los Angeles.
Em outra cena, uma forte tempestade faz o avião em que o Stillwater está viajando enfrentar sérios problemas. Achando que ninguém fosse sobreviver, os integrantes começam a falar sobre seu passado, revelando segredos. Isso aconteceu de verdade com o pessoal do The Who, quando excursionavam pelos EUA em um avião. Cameron Crowe seguia a banda para uma matéria.
Mas apesar de tratar de um período conturbado na história do rock, Quase Famosos não é um filme forte. Nada de drogas pesadas usadas pelos roqueiros, de conflitos tempes-tuosos, da depressão por se estar na estrada tocando pelos mais estranhos cantos dos EUA. Quase Famosos é divertido, sentimental, leve e muito gostoso de se assistir. É a mistura perfeita entre sátira e melodrama, típica das boas histórias para adolescente filmadas na década de 80. Não bastasse tudo isso, é também um dos melhores filmes já feitos sobre rock n´roll.

Texto de Juliano Zappia Omelete

Across The Universe

2009-07-30T14:14:00.000-07:00

Dia 01 de agosto – Sábado 18:00h – Usina de Arte João Donato - Across The Universe.

Sinopse
Nas letras das canções mais famosas do mundo existe uma história que nunca foi contada... Inusitados encontros proporcionam a Sadie, JoJo, Prudence e aos irmãos Lucy e Max, singulares experiências que não aconteceriam se não fosse a iniciativa do jovem estivador Jude (Jim Sturgess) de deixar Liverpool em busca do pai, um ex-soldado que constituiu família nos Estados Unidos. Across the Universe é um musical revolucionário de rock, com amores, diferenças ideológicas, sociais e belíssimas canções que recria, com delicadeza e psicodélica criatividade, a América do turbulento período do fim da década de 60.

Informações Técnicas
Título no Brasil: Across the Universe
Título Original: Across the Universe
País de Origem: EUA
Gênero: Musical / Romance
Classificação etária: 10 anos
Tempo de Duração: 133 minutos
Ano de Lançamento: 2007
Estréia no Brasil: 07/12/2007
Site Oficial: http://www.sonypictures.com/movies/ acrosstheuniverse/
Estúdio/Distrib.: Sony Pictures
Direção: Julie Taymor

Fonte: Interfilmes

Trailer

Ciclo Rock and Roll

2009-07-28T11:59:00.000-07:00

Com uma programação semanal elaborada em ciclos temáticos, o cineclube Aquiry iniciou as sessões do segundo semestre de 2009 debatendo o seguinte tema: Sistemas Opressores e obteve, no mês de julho, uma média de 18 pessoas por sessão.

Na última sessão do mês de julho(25) foi sugerido o tema ROCK AND ROLL que acabou sendo eleito para o próximo mês.

Programação de agosto
Ciclo Rock and Roll

Quando: Todo sábado de agosto, às 18 horas
Quanto: Entrada franca
Onde: Cineclube Aquiry na Usina de Arte João Donato (Av. das Acácias, nº 01 – Distrito Industrial - Rio Branco)Informações pelo telefone: 3229 6892

Persépolis

2009-07-20T11:15:00.000-07:00

Dia 25 de julho – Sábado 18:00h – Usina de Arte João Donato
Persepolis (Persépolis), de Vincent Paronnaud e Marjane Satrapi (2007).

Marjane é uma jovem iraniana de oito anos, que sonha em ser uma profetisa do futuro, para assim salvar o mundo. Querida pelos pais cultos e modernos e adorada pela avó, ela acompanha avidamente os acontecimentos que conduzem à queda do xá e de seu regime brutal. A entrada da nova República Islâmica inaugura a era dos “Guardiões da Revolução”, que controlam como as pessoas devem agir e se vestir. Marjane, que agora deve usar véu, deseja se transformar numa revolucionária. Mas, para tentar protegê-la, seus pais a enviam para a Áustria.

O último rei da Escócia

2009-07-14T06:25:00.000-07:00

No próximo sábado(18/07) às 18 horas, o Cineclube Aquiry exibirá:

O último rei da Escócia (The last king of Scotland, 2006) conta um pouco da história de Idi Amin, o ditador que governou Uganda entre 1971 e 1979. Nascido no interior, ele serviu o exército inglês durante a época em que o país ainda era uma colônia britânica. Com a independência, em 1962, ele subiu rapidamente de patente, chegando a ser chefe do exército em 1966, sob comando do presidente Milton Obote, que ele mesmo destituiu do poder, no golpe militar de 1971, quando Obote ameaçava abrir investigação de desvio de verbas.

O longa, porém, procura dar ao sanguinário ditador algumas feições humanas. O projeto é uma adaptação de um romance homônimo, escrito por Giles Foden. No livro, o autor cria a figura de um jovem escocês, Nicholas Carrigan (James McAvoy), que acaba se tornando o médico pessoal e confidente do governante ugandense. Nicholas, acuado pelo jeito como seu pai o tratava, resolve pegar seu recém-conseguido diploma de medicina e partir para o mundo em busca de aventuras, mulheres e experiência profissional. Acaba em Uganda, trabalhando em condições precárias no interior do país. Após um acidente com o presidente, ele é chamado para prestar primeiros-socorros e com seu jeito sincero e direto conquista Idi Amin, que já tinha admiração pelos escoceses e o convida para o cargo de confiança.

A mudança para a capital parece ser o oposto do que Nicholas pretendia. Mas usando o seu carisma, Amin convence o jovem que ali, ao seu lado, ele poderia fazer ainda mais coisas por Uganda do que no meio do mato. Inebriado pelo poder, pela riqueza e pelas grandiosas festas oferecidas pelo presidente, o médico fica e vai descobrindo uma outra faceta do ditador, que não consegue ser contrariado e usa seu poder para se impor sobre os adversários.

Diferente de outros filmes sobre a África que vêm sendo feitos recentemente, como Hotel Ruanda (2004), ou Diamantes de Sangue (2006), O último rei da Escócia pega leve quando o assunto é mostrar as barbaridades que aconteceram por lá. Estima-se que Amin tenha matado entre 300 mil e meio milhão de pessoas durante o seu regime, mas este seu lado mais feroz só aparece mesmo na parte final do filme, quando Nicholas começa a enxergar quem o general realmente era e a temer pela sua própria vida. Para se ter uma idéia, desmembramento de uma de suas esposas e até canibalismo são exemplos freqüentemente atribuídos ao ex-líder, morto em 2003, exilado na Arábia Saudita. Torturas e assassinatos daqueles que não comungavam da sua visão de governo também estão na lista.

Esta figura instável, da qual não se sabe se virá um ataque ou um sorriso, deve render a Forest Whitaker seu primeiro Oscar de Melhor Ator. Merecido. Todo aquele discurso dos atores de que eles não interpretam vilões, mas sim pessoas com visões diferentes do mundo, se encaixa perfeitamente aqui. Whitaker consegue mostrar na tela que Amin achava que estava fazendo o melhor pelo seu país, pelo seu povo. Tanto é que até hoje o ex-ditador é lembrado com uma certa afeição por alguns ugandenses. Durante as filmagens, toda feita no país, um general disse ao ator "Sim, Amin matou meu pai, mas ele também fez coisas maravilhosas pelo país". O diretor Kevin MacDonald, documentarista premiado, estréia na ficção mostrando a redenção de Nicholas. Agora só falta o resto do Ocidente também mostrar seu arrependimento e começar a ajudar o continente africano, que não está muito melhor do que na época e Idi Amin.

Fonte: Omelete

Batismo de Sangue

2009-07-07T09:36:00.000-07:00

Os “Anos de Chumbo” - como é conhecido o período da ditadura militar brasileira (1964-1985) - são prolíficos para o cinema. Alguns filmes focam figuras quase que lendárias dessa época ( Zuzu Angel , Lamarca ); outros preferem contar casos isolados relacionados à ditadura e de grupos que se armam contra o regime ( O Que É Isso, Companheiro? , Ação Entre Amigos ); outros fazem uma reflexão mais lúdica e pessoal sobre as crises pessoais que esse momento político provocou nos personagens ( O Ano Em Que Meus Pais Saíram de Férias , Cabra Cega ). Batismo de Sangue também se passa nos “anos de chumbo” e é capaz de reunir todos esses elementos, além de relacionar dois conceitos que raramente caminham juntos em produções sobre a ditadura: a política e a fé.

Batismo de Sangue é baseado em livro homônimo escrito por Frei Betto, frade dominicano e escritor. Autor de 54 livros, editados no Brasil e no Exterior, estudou Jornalismo, Antropologia, Filosofia e Teologia. A publicação, que ganhou o Jabuti (principal prêmio da literatura brasileira) em 1985 e encontra-se na 18ª edição, é um livro de memórias sobre suas experiências durante a ditadura. Quando estava num convento de frades, no final dos anos 60, envolveu-se na resistência contra o regime e é esta a história contada no filme, que foca quatro freis: Betto (Daniel de Oliveira), Tito (Caio Blat), Fernando (Léo Quintão) e Ivo (Odilon Esteves). Movidos pelos ideais cristãos de apoiar seu povo, que se encontra em crise por conta do golpe militar, apóiam a Ação Libertadora Nacional, comandada por Carlos Marighella (Marku Ribas). As prisões e eventuais torturas de Tito, Fernando e Ivo levam a história a conseqüências drásticas para todos os personagens.

O quinto filme dirigido por Helvécio Ratton ( Uma Onda no Ar ) ganha força ao focar uma história incomum acontecida no período da ditadura. Por dar atenção ao envolvimento de religiosos, e até mesmo da Igreja Católica, no regime político da época, a produção mostra ao espectador uma relação poucas vezes imaginada, mas que existiu. Além disso, Batismo de Sangue traz cenas realistas das torturas realizadas contra os protagonistas. Elas chocam por serem muito bem filmadas, mostrando a violência e a crueldade de forma explícita.

Dirigido de forma madura, o filme traz excelente reconstituição de época e interpretações memoráveis, especialmente no caso de Caio Blat, que encarna de forma emocionante as torturas sofridas por Frei Tito – não somente as que ele sofre na prisão, mas principalmente as posteriores, realizadas em sua própria mente. Tito perde a razão e a crença em seus ideais, até então tão firmes até o momento em que sofre cruéis torturas, lideradas pelo delegado Fleury (interpretado por Cássio Gabus Mendes, em raro momento como vilão em sua carreira, marcada por “mocinhos”). Blat é capaz de mostrar com maestria o estado de degradação no qual se encontra o personagem na evolução da trama, até culminar com seu suicídio (cena que abre o filme). No entanto, Batismo de Sangue sofre com alguns problemas, a começar pelo roteiro. Alguns diálogos são tão “certinhos” que soam falsos, mesmo que envoltos numa aura de realismo concebida pela equipe do filme.

A estrutura da produção também tem momentos problemáticos; algumas cenas parecem estar perdidas no meio do turbilhão de acontecimentos desencadeados à volta dos personagens. Mas o fato da produção misturar valores aparentemente antagônicos, além de ser muito bem dirigido tanto nas cenas mais introspectivas, envolvendo a fé e a razão dos personagens, quanto nas de ação, faz com que seu saldo permaneça positivo. Intenso e realista, Batismo de Sangue mostra essa história tão pouco contada não somente no cinema brasileiro, mas principalmente nos livros de História.

Texto extraido de br.cinema.yahoo.com

Saiba mais em www.batismodesangue.com.br

Cineclube Aquiry

2009-07-07T07:37:00.000-07:00

No próximo sábado(11/07) o cineclube Aquiry exibirá: Batismo de Sangue, de Helvécio Ratton (2007).

Sinopse: Um convento dominicano de São Paulo decide ajudar um grupo guerrilheiro, em plena ditadura militar brasileira. Dirigido por Helvécio Ratton (Menino Maluquinho) e com Caio Blat, Daniel de Oliveira, Ângelo Antônio, Marcélia Cartaxo e Cássio Gabus Mendes no elenco.

Quando: Todo sábado de julho, às 18 horas
Quanto: Entrada franca
Onde: Cineclube Aquiry na Usina de Arte João Donato (Av. das Acácias, nº 01 – Distrito Industrial - Rio Branco)

Abraços, Wander.

A força do Movimento Cineclubista no Acre

2009-07-07T07:30:00.000-07:00

Por Samuel Bryan

Cineclubes vêm ganhando mais espaço como uma forma de apreciar e discutir cinema
Cineclube é uma associação que reúne apreciadores de cinema para fins de estudo e debates junto à exibição de filmes selecionados (Foto: Talita Oliveira) A maioria das pessoas está acostumada a assistir apenas filmes dublados e produções hollywoodianas, mas o cinema não se limita a isso. O cinema, como grande ferramenta artística, traz em si, várias artes em uma só. Ele é capaz de abranger música, literatura, teatro, fotografia, e muitas outras em uma única obra. Assim, é de suma importância para o aprendizado, conscientização e, claro, para o aprimoramento do senso crítico de seu público. Dessa busca por discutir e compreender cinema que surgiram os Cineclubes.
O Cineclube é uma associação que reúne apreciadores de cinema para fins de estudo e debates junto à exibição de filmes selecionados. Eles têm uma história própria, que liga a evolução do seu trabalho às diferentes situações nacionais, culturais e políticas em que se desenvolveram. São instituições que surgem em resposta a necessidades que o cinema comercial não atende, exibindo um tipo diferenciado de cinema, mais complexo e profundo.
A importância dos Cineclubes se da à medida que as pessoas sentem a necessidade de uma visão ampla do mundo, de acesso aos mais variados meios de transmissão do conhecimento. Talvez pelo costume de assistir apenas grandes filmes comerciais, algumas pessoas percam-se nas legendas e na trama dos filmes que os Cineclubes exibem. Mas, tal como o conceito do cinema televisivo foi construído, o conceito de Cineclube possa surgir, também poderá ele dar lugar a inovações na apreciação de arte tão versátil em temas e abordagens.E no Acre?
No Acre, o movimento cineclubista anda crescendo e tomando forma. Com a nossa limitação de salas de cinema, os cineclubes acabam se tornando uma válvula de escape para os apreciadores de obras audiovisuais que vão além das superproduções comerciais. Ainda assim, esse é um movimento pequeno, incipiente, que ainda está se articulando.
Em Rio Branco temos os Cineclubes Batelão, Aquiry, Cine Mais Cultura, Cinemacre, Filmoteca da Biblioteca Pública Estadual e Filmoteca do Sesc. O Batelão é um projeto de cineclube da Universidade Federal do Acre, aberto a toda a comunidade, que passa filmes e documentários com grande enfoque social.
Já o Cine Mais Cultura é um programa nacional que através de editais e parcerias diretas, disponibiliza equipamento audiovisual de projeção digital, obras brasileiras do catálogo da Programadora Brasil e oficina de capacitação cineclubista, atendendo prioritariamente periferias de grandes centros urbanos e municípios. Em breve esse projeto chegará nos municípios e teremos 22 salas de cinema no estado que podem vir a se transformar em cineclubes.
O Cinemacre, que acontece na Biblioteca da Floresta Marina Silva, a Filmoteca da Biblioteca Pública Estadual e a Filmoteca do Sesc também realizam exibição de filmes fora de circuito, mas superproduções também, e raramente acompanhadas de discussões e debates. Porém, no Sesc, a Associação Acreana de Cinema, Asacine, realiza aos sábados uma exibição de filmes com temática regionalista, seguidos por um debate com Adalberto Queiroz, um dos pioneiros produtores audiovisuais do Acre.
Mas é o Cineclube Aquiry, que retoma as suas atividades agora em julho, que mais possui um espírito cineclubista. Pretendendo realizar uma programação semanal elaborada em ciclos temáticos, o Aquiry inicia as sessões do segundo semestre de 2009 debatendo o seguinte tema: Sistemas Opressores. Já o tema e a programação dos próximos ciclos serão pensados e discutidos nas sessões envolvendo todos os participantes que comparecerem.

Discutindo a cena
Para Juliana Machado, presidente da Samaúma Cinema e Vídeo, o que precisa melhorar “é as pessoas se conscientizarem da necessidade de um cineclube não só para exibição de filmes, mas pela possibilidade de acesso aos bens culturais produzidos em diversas partes do Brasil e em outros países”. Discutir e compreender a temática e a problemática apresentadas no filme sempre será o espírito do cineclubismo. A socialização desse conhecimento passa a ser o ponto chave.
Além disso, a produção cinematográfica nacional ainda é bastante marginalizada. Os grandes cinemas comerciais não valorizam o produto nacional e os cineclubes também funcionam como uma forma de apresentá-los a população, além do próprio cinema regionalista, produções que saem do eixo sul-sudeste.
No Acre, os avanços no setor audiovisual estão sendo amplamente discutidos entre produtores, cineclubistas e a comunidade. Recentemente aconteceu o I Fórum Setorial Audiovisual e o Circuito em Construção, ambos para alavancar essas discussões. Não só a auto-sustentabilidade das atividades cineclubistas são discutidas, mas também outros pontos mais complexos como os “direitos autorais” das obras audiovisuais, um tema polêmico junto a atividade dos cineclubes e a democratização da internet.
O papel do Cineclube acaba sendo de grande importância nesse momento de fortalecimento da nossa identidade cultural. Vai muito além da exibição de filmes, possibilitando o contato humano e uma ampla troca de informações. Não é só uma discussão sobre o filme, discute a questão do acesso, da produção, de uma experiência rica e completa, maior do que apenas ir ao cinema, ver a obra e sair de lá, sem questionar nada.

Fonte: http://http//www.agencia.ac.gov.br/index.php?option=com_content&task=view&id=8307&Itemid=26

O mundo fantástico

2009-07-03T06:10:00.000-07:00

Realidade e fantasia se completam em um verdadeiro banquete de cenas e personagens inesquecíveis. Visualmente, o filme é soberbo. A cor é extremamente carregada de um sombreado que transforma a narrativa em um livro antigo de fábulas.
Inteligentemente, Del Toro transporta seu argumento para o campo. Cercado de florestas, o público se sente confortável em aceitar que possa existir por ali um universo mítico. Envolvendo este universo estão as duras cercas do mundo real, característica que também marca o trabalho de outros diretores fantásticos, como Tim Burton e Terry Gilliam. O único ingrediente diferente no filme de Del Toro são os toques surrealistas herdados do cineasta espanhol Luis Buñuel, outro que utilizou sua obra para criticar os fascistas.
Esse universo onírico e gótico é a espinha dorsal do filme. Del Toro não delimita o que é fantasia ou realidade. Ele aponta caminhos e deixa que o público embarque na viagem de sua preferência. Mesmo na conclusão, Del Toro contrasta os dois mundos. O espectador tem a possibilidade de escolher baseado em suas crenças pessoais. Quem não acredita em fadas, lendas e mitologia não se sentirá enganado. Otimistas que ainda vêem esperança no mundo caótico em que vivemos ficarão satisfeitos. E essa dualidade fica evidente na personalidade de Ofelia. Ela mostra que talvez a melhor maneira de escapar da realidade seja criando um mundo de fantasia.
Del Toro correlaciona seus personagens fabulescos com os de carne e osso. Nas tarefas, Ofelia é obrigada a enfrentar criaturas horripilantes. Impossível não associá-las à brutalidade de Vidal. Por mais aterrorizantes que sejam as aparências dos seres, fica a impressão de que os humanos são os verdadeiros vilões.
Texto retirado de Omelete

O Labirinto do Fauno Dia 14 de Julho

2009-07-02T13:34:00.000-07:00

El laberinto del Fauno (Labirinto do Fauno), de Guillermo del Toro (2006)Sinopse: Uma garota e sua mãe se mudam para uma região da Espanha onde ainda há combates da Guerra Civil. No jardim da mansão em que mora a garota encontra um labirinto, que a leva a um mundo de fantasia. Dirigido por Guillermo del Toro e com Sergi López, Federico Luppi e Maribel Verdú no elenco. Vencedor de 3 Oscars.
Dia 04 de julho – Sábado 18:00h – Usina de Arte João Donato

O cineclube Aquiry retomará as atividades em julho

2009-07-02T13:17:00.000-07:00

Com uma programação semanal elaborada em ciclos temáticos, o cineclube Aquiry inicia as sessões do segundo semestre de 2009 debatendo o seguinte tema: Sistemas Opressores. O tema e a programação dos próximos ciclos serão pensados e discutidos nas sessões envolvendo todos os participantes do cineclube Aquiry.

Programação de julho

Ciclo Sistemas Opressores

Dia 04 de julho – Sábado 18:00h – Usina de Arte João Donato
El laberinto del Fauno (Labirinto do Fauno), de Guillermo del Toro (2006)
Sinopse: Uma garota e sua mãe se mudam para uma região da Espanha onde ainda há combates da Guerra Civil. No jardim da mansão em que mora a garota encontra um labirinto, que a leva a um mundo de fantasia. Dirigido por Guillermo del Toro e com Sergi López, Federico Luppi e Maribel Verdú no elenco. Vencedor de 3 Oscars.

Dia 11 de julho – Sábado 18:00h – Usina de Arte João Donato
Batismo de Sangue, de Helvécio Ratton (2007).
Sinopse: Um convento dominicano de São Paulo decide ajudar um grupo guerrilheiro, em plena ditadura militar brasileira. Dirigido por Helvécio Ratton (Menino Maluquinho) e com Caio Blat, Daniel de Oliveira, Ângelo Antônio, Marcélia Cartaxo e Cássio Gabus Mendes no elenco.

Dia 18 de julho – Sábado 18:00h – Usina de Arte João Donato
The Last King of Scotland (O Último Rei da Escócia), de Kevin Macdonald (2006).
Sinopse: Um jovem médico escocês é convidado por Idi Amin, um dos mais terríveis ditadores da África, para ser seu médico particular. Com Forest Whitaker e Gillian Anderson. Vencedor do Oscar de Melhor Ator.

Dia 25 de julho – Sábado 18:00h – Usina de Arte João Donato
Persepolis (Persépolis), de Vincent Paronnaud e Marjane Satrapi (2007)
Sinopse: Uma garota sonha em se tornar uma profetisa para salvar o mundo. Mas, quando o novo regime no Irã a obriga a usar véu, ela decide se tornar uma revolucionária. Recebeu uma indicação ao Oscar.

Quando: Todo sábado de julho, às 18 horas
Quanto: Entrada franca
Onde: Cineclube Aquiry na Usina de Arte João Donato
(Av. das Acácias, nº 01 – Distrito Industrial - Rio Branco

Informações pelo telefone: 3229 6892 com Wander.